No mundo colorido de Tomo Koizumi

Tomotaka Koizumi, o homem por trás da marca japonesa Tomo Koizumi, surgiu na cena da moda como um cometa. Cinco anos atrás, como um designer relativamente desconhecido tanto nacional quanto internacionalmente, ele exibiu seus vestidos dramáticos e volumosos adornados com babados abundantes na loja principal da Marc Jacobs durante a New York Fashion Week Outono/Inverno 2019. O desfile foi dirigido e estilizado pela icônica Katie Grand, a mentor por trás Revista LOVE, com a ajuda de outras lendas da indústria - Guido Palau para cabelo, Pat McGrath pela maquiagem e Anita Bitton pelo elenco (então, ícones Bella Hadid, Emily Ratajkowski, Gwendoline Christie e Joan Smalls, todos andaram em seu demas passarela). Naquela temporada, De Koizumi criações caprichosas e coloridas, qual umpoderia reconhecer fdesde a primeira vista, dominou o burburinho na Semana de Moda de Nova York, elevando ainda mais seu reconhecimento global quando usado por músicos famosos como Lady Gaga, Björk e Sam Smith.

Nas mãos de Tomotaka Koizumi, os tecidos 100% poliéster mais baratos e mais vividamente coloridos são instantaneamente transformados em vestidos de última geração que convidam você a um mundo de fantasia. Essas criações de tule não são apenas visualmente deslumbrantes, mas também despertam a crença inocente na fantasia que está no fundo dos corações daqueles que as veem. Com uma habilidade e criatividade quase alquímicas, ele nos surpreende e nos mergulha em um mundo de sonho. Após o show em Nova York, Tomotaka Koizumi recebeu inúmeros pedidos de compradores de grandes varejistas globais. No entanto, ele escolheu não seguir o caminho convencional de produzir e vender vestidos. Em vez disso, as oportunidades de usar suas criações são limitadas a peças de moda nascidas de colaborações com marcas, personalidades e organizações culturais. Você raramente verá seus vestidos nas lojas, mas suas obras estão permanentemente abrigadas em instituições de prestígio, como o Metropolitan Museum of Art, a National Gallery of Victoria na Austrália e o Kyoto Costume Institute, onde visitantes sortudos podem ter um vislumbre delas em exposição.

Finalista do Prêmio LVMH de 2020, Koizumi também criou um vestido personalizado usado pela cantora e compositora MISIA durante sua apresentação do hino nacional japonês na Cerimônia de Abertura das Olimpíadas de Tóquio 2020. Em 2023, ele realizou com sucesso sua primeira exposição solo no Japão. Este ano, ele assumiu o figurino, a produção e a direção visual para uma colaboração com "K-BALLET TOKYO", escreveu um livro e apresentou uma exposição no Museu de Arte Pola em Hakone. Nos cinco anos desde sua estreia sensacional, Koizumi continuou a confundir os limites entre moda e arte, trilhando um caminho singular e incomparável na indústria. 

Moda HD apanhados com Tomotaka Koizumi em Tóquio e falei com ele sobre sua jornada nos últimos cinco anos, sua paixão por tulle, seu processo criativo e sua visão para o futuro.

Você nunca frequentou uma escola de moda e aprendeu sozinha a fazer roupas. O que inicialmente a atraiu para o mundo da moda?
Tudo começou quando Eu tinha 14 anos e vi De John Galliano designs de alta costura para a Dior em uma revista. Ainda me lembro vividamente do choque que senti quando vi as fotos daqueles vestidos. Até então, eu não estava particularmente interessada em moda, mas as criações de Galliano carregavam uma beleza avassaladora que transcendia os limites da moda e da arte, penetrando profundamente em meu coração. I também descoberto designers como Alexander McQueen, que criaram coisas que não eram apenas elegantes ou ousadas, mas foram completamente diferente de tudo que eu já tinha visto. Essa admiração despertou meu desejo de seguir carreira no mundo da moda. Naquele mesmo ano, inspirada pelo trabalho de Galliano, pedi aos meus pais uma máquina de costura for Natal. A partir daí, comecei a desmontar roupas velhas e a aprender a fazer peças de vestuário, mergulhando no ofício.

Whpor que você lançou sua própria marca?
Eu me formei em arte at Universidade de Chiba e estava ganhando experiência como assistente de estilista na época, com o objetivo de se tornar editora ou estilista. Um dia, uma amiga minha usou um vestido que eu tinha feito para um clube, e sua foto foi tirada e publicada em uma revista. Ao ver isso, o dono de uma loja ousada em Tóquio entrou em contato, expressando interesse em vender meu trabalho. Foi a primeira vez que criei vestidos para vender. Curiosamente, mais tarde descobri que um desses vestidos foi comprado por Yoon Ahn, o designer da AMBUSH®, que eu não conhecia na época. Logo depois, estilistas que visitavam a loja começaram a me procurar com pedidos de fantasias, e foi assim que a marca Tomo Koizumi nasceu em 2011. Foi logo após a crise financeira global, uma época em que qualquer carreira parecia arriscada. Imaginei que, se eu fosse correr riscos de qualquer maneira, eu poderia muito bem fazer o que eu realmente queria. Foi quando decidi tornam-se uma figurinista.

tule is seu material de assinatura. Como você o descobriu pela primeira vez e o que o torna tão especial para você?
Como estudante e durante os primeiros estágios da minha carreira como figurinista, inspirei-me em da Década de 1950-60desenhos por Christopher Fardonciaga e Christian Dior. Minhas criações naquela época eram colorido, vestidos que valorizam o corpo, bem diferentes do que eu faço agora. Eu primeiro começou a trabalhar com tule por volta de 2015. Encontrei tule morto vendido a um preço muito baixo no distrito têxtil de Nippori, em Tóquio. Como era barato, pensei que seria perfeito para experimentar e praticando sem muito risco financeiro. O que mais me atraiu, porém, foi a ampla gama de cores. Dito isso, meus primeiros trabalhos com tule tinham tons mais suaves — bege, branco e rosa — e tinham volumes muito menores em comparação aos meus designs atuais. Quando Lady Gaga visitou o Japão em 2016, ela usou um dos meus vestidos desse período. Naquela época, uma amiga que visitou minha casa e viu meus protótipos me encorajou dizendo: “Isso é maravilhoso, então você deveria fazer outros maiores". Seguindo esse conselho, comecei a experimentar cores neon, e gradientes, brincando com combinações de cores. Essa mudança levou a mais trabalho de design de figurinos pela Ásia e me motivou a criar projetos pessoais, fazendo peças que eu poderia emprestar como amostras.

Could você nos conta mais sobre sua colaboração com Lady Gaga?
Quando Lady Gaga estava planejando sua visita a Japão, ela estava procurando por designers com criações únicas, e através de uma amiga da indústria musical, um dos meus vestidos foi enviado a ela. Ela pediu uma lista de roupas disponíveis para empréstimo, então enviei uma lista, e ela escolheu isso vestido em particular. Descobri que ela o usou quando o postou no Instagram.

É fascinante como você transforma tecidos 100% poliéster baratos em vestidos luxuosos e marcantes.
I recentemente realezased que essa pode ser uma abordagem nitidamente japonesa para a criação. Quando você olha para as obras de designers japoneses lendários que são renomados mundialmente, você notará que eles frequentemente usam tecidos comuns e prontamente disponíveis e adicionam toques por meio de combinações e métodos de processamento para criar resultados equilibrados e de alta qualidade. No Japão, ao contrário em outro lugar, não há uma forte tradição de tecidos de luxo além de tecidos de quimono. Talvez seja por isso que há uma história de inovação com materiais acessíveis e cotidianos. Importar tecidos luxuosos para fazer vestidos de alta qualidade é a maneira convencional de fazer as coisas. IEm vez disso, criar algo novo e marcante por meio da engenhosidade, sem forçar os limites da origem do material, parece uma característica compartilhada entre os designers japoneses. 

Conte-nos sobre seu processo criativo: waqui você começa?
Acho que começa com “escala". A cor também é um fator crucial. Meu estilo não é sobre buscar uma fonte específica de inspiração para criar algo. Em vez disso, estou constantemente pesquisando — folheando livros em brechós, lendo romances, explorando livros de arquivo de designers ou visitando mercados e museus enquanto viajo. Com o tempo, esses vários pontos se conectam e uma peça toma forma.

Às vezes, a inspiração vem de experiências que tive quando adolescente. Recentemente, tenho me sentido atraído por bonecas tradicionais usadas em festivais e rituais japoneses, e tenho pesquisando tudo sobre eles. O que is o mais importante é que o conceito final se conecte às minhas experiências pessoais ou surja de um interesse que surge naturalmente de dentro.

Você tem estado cada vez mais ativo no campo da arte nos últimos dois anos. Poderia nos contar mais sobre sua projetos e sua perspectiva sobre arte?
Nos últimos anos, tenho pensado em como posso expandir as experiências que acumulei. Não estou interessado em aumentar meu interesse? em um negócio de larga escala, então tenho explorado como o desenvolvimento poderia parecer fora dessa estrutura. Uma resposta, acredito, é cruzar as fronteiras entre arte e moda e assumir novos desafios. Minha primeira tentativa foi a exposição individual que fiz no Japão no ano passado. Olhando para trás, percebise eu ainda estava confinado pela ideia de “o que a arte deveria ser". Embora eu quisesse transcender limites, acabei sendo restringido por eles. No entanto, vejo reconhecimentosing essa limitação como um resultado significativo do desafio. Há grande valor em receber feedback de outros e gerar novas ideias por meio dessas experiências.

Na sua opinião, quais são as diferenças e semelhanças entre arte e moda?
Esta é uma pergunta sem uma resposta definitiva, por isso há debates intermináveis ​​sobre isso — e por que eu penso nisso também. Algo é arte simplesmente porque é uma pintura? É design de moda apenas porque é usável? Com ​​meu trabalho, é um vestido apresentado como arte, ou arte apresentada como um vestido? Em última análise, acredito que a fronteira entre design e arte reside na “essência do objeto". Quanto às minhas criações, depende de como o espectador as interpreta. Deixo para o público decidir.

Você começou sua carreira como figurinista, mas se perguntassem sobre seu cargo atual, como você o descreveria?
Minha resposta muda toda vez que me fazem essa pergunta. Até o ano passado, eu costumava dizer que era uma estilista de vestidos ou uma artista. Recentemente, tenho me apresentado mais como uma artista visual. Mas, honestamente, não sou muito exigente com rótulos. Acredito que há muito potencial para criar novos valores nesses cinzento, áreas indefinidas onde os limites são borrados. Então, acho que continuarei trabalhando dentro desses espaços intermediários.

Qual é o seu maior objetivo? Você poderia nos contar sobre sua visão de longo prazo para o futuro??

Meu objetivo final é tO processo de me desafiar continuamente. Aspiro ser um criador com princípios inabaláveis ​​e um núcleo sólido, muito parecido com os designers que admiro — Azzedine Alaïa e Roberto Capucci — que buscaram incansavelmente a beleza com a dedicação de pesquisadores. Em dezembro, comecei a exibir pinturas, esculturas e instalações, incluindo dez obras nunca antes vistas, em uma exposição temática sobre cores no Museu de Arte Pola em Hakone. Também lancei meu primeiro livro, que passei cerca de um ano escrevendo sozinho. No passado, assumir novos desafios sempre trouxe novas oportunidades para mim. Espero continuar surfando nessa onda in nos próximos anos.

Cortesia: Tomo Koizumi

Texto: Elie Inoue