トモ・コイズミのカラフルな世界
小泉智隆、 日本のレーベルの背後にいる男 T小泉 友は、彗星のごとくファッション界に現れた。2019年前、国内外でまだ無名のデザイナーだった彼は、XNUMX年秋冬ニューヨークファッションウィーク中にマークジェイコブスの旗艦店で、たっぷりのフリルをあしらったドラマチックでボリュームのあるドレスを披露した。ショーのディレクションとスタイリングは、 背後の黒幕 LOVE誌、 他の業界の伝説の人たちの助けを借りて - ヘア担当のグイド・パラウ, メイクアップはパット・マクグラス、キャスティングはアニタ・ビットン （つまり、アイコン ベラ・ハディッド、エミリー・ラタコウスキー、グウェンドリン・クリスティ、ジョーン・スモールズ, すべては彼のデを歩いたしかしキャットウォーク）その季節、 小泉の 気まぐれでカラフルな作品、 which XNUMXつ認識できた一目見た瞬間から ニューヨークファッションウィークで話題を独占し、 有名ミュージシャン レディー・ガガ、ビョーク、サム・スミスなど。
小泉智隆の手にかかると、最も安価で最も鮮やかな色の 100% ポリエステル生地が、ファンタジーの世界へと誘う最先端のドレスに瞬時に変身します。これらのチュール作品は、見た目が美しいだけでなく、見る人の心の奥深くにあるファンタジーへの純粋な信念を目覚めさせます。まるで錬金術のようなスキルと創造性で、彼は私たちを驚かせ、夢のような世界に引き込みます。 ニューヨーク公演の後、 智隆 小泉氏は、世界有数の小売店のバイヤーから数多くの依頼を受けてきました。しかし、ドレスを制作して販売するという従来のやり方には従いませんでした。代わりに、彼の作品を着用する機会は、ブランド、著名人、文化団体とのコラボレーションから生まれたファッション作品に限られています。彼のドレスが店頭で見られることはめったにありませんが、彼の作品はメトロポリタン美術館、オーストラリアのビクトリア国立美術館、京都服飾文化研究財団などの権威ある施設に永久に収蔵されており、運が良ければ展示されているのを目にすることができるかもしれません。
2020年LVMHプライズのファイナリストに選出された小泉は、東京2020オリンピック開会式でシンガーソングライターMISIAが日本国歌を演奏した際に着用した特注ドレスも手掛けた。2023年には日本で初の個展を開催し大成功を収めた。今年は「K-BALLET TOKYO」とのコラボレーションで衣装デザイン、演出、ビジュアルディレクションを手掛けたほか、書籍の執筆や展覧会の開催などを行った。 箱根ポーラ美術館にて. センセーショナルなデビューから5年、小泉さんはファッションとアートの境界線を曖昧にし続け、業界で唯一無二の道を切り開いてきました。
HDファッション 追いついた 東京で小泉智隆氏と会談した 過去5年間の旅、トゥルへの情熱について彼の創作プロセス そして彼の将来のビジョン。
あなたはファッション学校に通ったことはなく、独学で服の作り方を学んだそうですが、ファッションの世界に惹かれたきっかけは何ですか？
それはすべて 私は14歳で ジョン・ガリアーノの 雑誌でディオールのオートクチュールデザインを初めて見ました。そのドレスの写真を見た時の衝撃は今でも鮮明に覚えています。それまでファッションに特に興味があったわけではありませんでしたが、ガリアーノのクリエイションはファッションやアートの枠を超えた圧倒的な美しさがあり、私の心に深く突き刺さりました。 私も 発見 アレキサンダー・マックイーンのようなデザイナーは、単にエレガントでエッジの効いたものだけでなく、 した 今まで見たことのないようなものでした。その憧れがファッションの世界でキャリアを積みたいという私の願望を掻き立てました。その同じ年、ガリアーノの作品に触発されて、私は両親にミシンを頼みました。 の クリスマス。それから私は古着を解体し、独学で服の作り方を学び、工芸に没頭し始めました。
Whなぜ独自のブランドを立ち上げたのですか?
私は美術を専攻しました at 千葉大学に入学し、当時は編集者かスタイリストを目指してスタイリストアシスタントとして経験を積んでいました。ある日、友人が私が作ったドレスを着てクラブに行ったところ、その写真が雑誌に掲載されました。それを見た東京のエッジの利いたショップのオーナーが私の作品を扱いたいと声をかけてくれたのが、私が販売するドレスを作った最初のきっかけでした。 興味深いことに、そのドレスのうちの1つはYが購入したものだと後で知りました。アン・ウン当時は知らなかったAMBUSH®のデザイナー、 と知り合いました。その後すぐに、ショップに来るスタイリストたちが衣装の依頼をしてくるようになり、それがブランドが誕生したきっかけです。 小泉朋 2011年に生まれました。 世界的な金融危機の直後で、あらゆるキャリアパスがリスクに感じられた時期でした。どうせリスクを負うなら、本当にやりたいことをやろうと思いました。その時、私は になる 衣装デザイナー。
チュール is あなたの代表的な素材です。最初にそれを発見したのはいつですか? また、あなたにとってそれが特別なのはなぜですか?
学生時代、そして衣装デザイナーとしてのキャリアの初期段階では、私は 1950年代～60年代esigns by クリストファー ベールシアガやクリスチャン・ディオール。当時の私の作品は カラフルボディコンシャスなドレスは、今私が作っているものとはまったく異なります。 働き始めた 2015年頃のチュール。デッドストックのチュールが非常に安い価格で売られているのを見つけた。 東京の日暮里繊維街安価だったので実験に最適だと思ったのですが、 練習する あまり金銭的なリスクを負うことなく、 色. とはいえ、チュールを使った私の初期の作品は、色調がもっと落ち着いていて（ベージュ、白、ピンク）、現在のデザインに比べるとボリュームもずっと小さかったです。 2016年にレディー・ガガが日本を訪れた際、彼女はこの時期に私がデザインしたドレスを着ていました。その頃、私の家に遊びに来て試作品を見た友人がこう言って私を励ましてくれました。: 「これは素晴らしいので、もっと大きなものを作ってください そのアドバイスを受けて、私はネオンカラーを試し始めました。 および グラデーションや色の組み合わせで遊ぶこと。この変化により、アジア各地で衣装デザインの仕事が増え、サンプルとして貸し出せる作品を作るなど、個人的なプロジェクトを作ろうという意欲が湧きました。
Cオウルド もっと詳しく教えてください レディー・ガガとのコラボレーション?
レディー・ガガが 訪問を計画していた 日本では、彼女はユニークな作品を作るデザイナーを探していて、音楽業界の友人を通じて私のドレスの1着が彼女に送られました。彼女は貸し出し可能な服のリストを要求したので、私はリストを送りました。 彼女はこれを選んだ そのドレス。彼女がそれを着ていたことを知ったのは、彼女がインスタグラムに投稿したときでした。
安価な 100% ポリエステル生地を豪華で印象的なドレスに変身させる方法は魅力的です。
I 最近 王族sこれは日本独特の創作アプローチなのかもしれないと思いました。世界的に有名な伝説的な日本のデザイナーの作品を見ると、彼らは簡単に手に入るありふれた生地を使い、組み合わせや加工法で工夫を加え、バランスのとれた高級な作品を生み出していることに気づきます。 日本では、 他の場所で高級生地の伝統は強くない の他に 着物の織物。だからこそ、身近な日常の素材で革新を起こしてきた歴史があるのかもしれません。高級なドレスを作るために高級な生地を輸入するのは、従来のやり方です。 Iむしろ、素材調達の限界を押し広げることなく、創意工夫で新鮮で印象的なものを作り出すことは、日本のデザイナーに共通する特徴のように感じます。.
あなたの創作プロセスについて教えてください。ここから始めますか？
それは「規模」から始まると思います . 色彩も重要な要素です。私のスタイルは、何かを作るために特定のインスピレーションの源を探すことではありません。その代わりに、古本屋で本を探したり、小説を読んだり、デザイナーのアーカイブ本を調べたり、旅行中に市場や美術館を訪れたりと、常にリサーチをしています。時間が経つにつれて、これらのさまざまなポイントがつながり、作品が形になります。
時には、10代の頃の体験からインスピレーションを得ることもあります。最近では、日本の祭りや儀式で使われる伝統的な人形に惹かれ、 あらゆることを研究する 彼らについて。 is 最も重要なのは、最終的なコンセプトが私の個人的な経験と結びついていること、または内面から自然に湧き上がる興味から生まれたものであることです。
あなたはここ2年間、芸術分野でますます活躍されていますね。 プロジェクト(実績作品) アートに対するあなたの見解は？
過去数年間、私は自分が蓄積してきた経験をどのように拡大できるかを考えてきました。 ブランド力 大規模なビジネスにしたいという思いから、その枠を超えた展開を模索してきました。アートとファッションの境界を越えて、新しいことに挑戦していくことが、ひとつの答えだと思っています。 最初の試みは昨年日本で開催した個展でした。振り返ってみるとs私はまだ「芸術とは何か」という考えに縛られていました 境界を越えたいと思っていたのに、結局は境界に縛られてしまった。しかし、sその制限をチャレンジの有意義な結果として捉えましょう。他の人からのフィードバックを受け取り、これらの経験を通じて新しいアイデアを生み出すことは大きな価値があります。
あなたの意見では, アートとファッションの違いと類似点は何ですか？?
これは明確な答えのない質問です。 それについては終わりのない議論がある — そして、なぜ私もそれについて考えるのか。絵画であるという理由だけで何かがアートになるのか？着用できるという理由だけでファッション デザインになるのか？私の作品は、アートとして提示されたドレスなのか、それともドレスとして提示されたアートなのか？ 結局のところ、デザインとアートの境界は「物の本質」にあると私は信じています。 私の作品に関しては、鑑賞者がどう解釈するかによります。鑑賞者に判断を委ねます。
あなたは衣装デザイナーとしてキャリアをスタートしましたが、現在の肩書きについて尋ねられたら、どのように説明しますか?
その質問を受けるたびに、私の答えは変わります。去年までは、ドレスデザイナーやアーティストと答えていました。最近は、ビジュアルアーティストとして自己紹介することが増えました。でも、正直、ラベルにはあまりこだわっていません。そこに新しい価値を生み出す可能性がたくさんあると信じています。 グレー境界が曖昧な、定義されていない領域です。だから、私はその中間の空間で仕事をし続けようと思います。
あなたの最大の目標は何ですか？将来の長期的なビジョンについて教えてください。?
私の究極の目標は常に自分自身に挑戦し続けるプロセス。私が尊敬するデザイナー、アズディン・アライアやロベルト・カプッチのように、研究者としての熱意を持って美を徹底的に追求した、揺るぎない信念と芯のあるクリエイターを目指しています。 12月からは箱根ポーラ美術館で色彩をテーマにした展覧会を開催し、絵画、彫刻、インスタレーションなど、初公開の作品10点を展示しました。また、約1年かけて自分で書き上げた初の本も出版しました。これまで、新しいことに挑戦することで、常に新しいチャンスが巡ってきました。これからもその波に乗っていきたいです。 in 今後数年間。
提供：小泉智
文：井上エリー