Family Matters: intimità e conflitto al centro del Festival di Cannes 2025

Il Festival di Cannes di quest'anno ha cercato di costruire ponti nel nostro mondo caotico, fatto di guerre e catastrofi, ma a livello micro. Traendo ispirazione da grandi tradizioni letterarie, molti film si sono rivolti all'interno, ai legami familiari e ai coinvolgimenti personali. La famiglia, in tutta la sua complessità, è emersa come uno dei temi centrali. Diversi titoli hanno esplorato le dinamiche stratificate e spesso tese all'interno della più piccola unità della società – la famiglia – che si è rivelata altrettanto piena di contraddizioni, battaglie e sofferenze quanto il mondo in generale. Giocare a fare famiglia diventa, in questo contesto, una prova generale per organizzare l'universo più ampio.

Di conseguenza, i generi variavano notevolmente: dal cinema concettuale alla commedia, dalla farsa al dramma sociale, dal fantasy epico al saggio romantico.

 L'epigrafe di questo filone intimo potrebbe essere "Sentimental Value" di Joachim Trier, vincitore del Grand Prix, il secondo premio più prestigioso del festival. La parola "sentimentale" cattura lo spirito generale di Cannes quest'anno. Trier, lontano parente e omonimo di Lars von Trier, ha presentato una arguta tragicommedia cinefila ricca di motivi cechoviani, ibseniani e inconfondibilmente bergmaniani. Al centro: nuove scene di un matrimonio con interpretazioni stellari di Stellan Skarsgård, Renate Reinsve ed Elle Fanning. La storia si svolge in una villa di famiglia a Oslo, appartenuta per decenni a un unico clan.

Una simile saga multigenerazionale appare nel titolo in concorso The Sound of Falling della regista tedesca Mascha Schilinski, che narra storie familiari traumatiche ambientate in quattro periodi chiave del XX secolo, con le sue guerre e sconvolgimenti, il tutto ambientato in una casa vicino all'Elba.

Nel film di Trier, il protagonista – un regista un tempo famoso – cerca di riallacciare i rapporti con le sue due figlie separate, entrambe affette da cicatrici emotive e inclini ad attacchi di panico. La sua strategia: affidare alla figlia maggiore il ruolo della loro defunta madre nel suo nuovo film, sperando che il ruolo le avvicini. Ma la figlia, che ha difficoltà a recitare e ad essere esposta al pubblico, trova il compito arduo, che porta non alla riconciliazione, ma a un ulteriore allontanamento. In questo contesto già instabile si inserisce un'estranea: un'attrice americana, interpretata da Elle Fanning, che dovrebbe mettere in luce la schiettezza di Hollywood e sottolineare la sensibilità poetica del cinema europeo. La sua presenza non fa che accentuare il distacco familiare.

Trier dipinge il ritratto di un artista di successo che ha fallito come padre – una storia che molti potrebbero conoscere, ma che pochi sanno drammatizzare con altrettanta abilità. Pur non essendo autobiografico, il film riflette le riflessioni di Trier sulla paternità: dal suo ultimo film, è diventato padre di due figli. In un'intervista a Vanity Fair, ha spiegato:

È quasi la storia di un amore irrealizzato tra un padre e una figlia, un legame che non si realizza mai del tutto. Eppure sono così simili. E solo nell'ambito dell'arte possono incontrarsi di nuovo.

La casa in questa storia è densa di tensione irrisolta – nemmeno le pareti di uno studio appena costruito riescono a contenerla. Ma i dialoghi taglienti e una sorta di insostenibile leggerezza dell'essere rendono questo film norvegese più ottimista di molti suoi simili e pienamente meritevole dei suoi elogi.

Un simile tentativo familiare si manifesta in The Phoenician Scheme, l'ultimo film di Wes Anderson, maestro dell'ornamentazione cinematografica. Con un cast stellare (Benicio del Toro, Tom Hanks, Benedict Cumberbatch, Scarlett Johansson e Bill Murray), il film segue una potente magnate, Zsa-Zsa Korda, coinvolta in un'ondata di tentativi di assassinio, che decide di cedere il suo impero alla figlia. Nonostante la tipica stravaganza e le elaborate scene di Anderson, è il nucleo sentimentale – i goffi tentativi di stabilire un legame padre-figlia – a conferire al film la sua risonanza.

La figlia, separata da anni e ora suora, si prepara ad abbandonare completamente il mondo laico. Invece di prendere il controllo dell'impero, è ossessionata dallo scoprire la verità dietro la morte della madre, sospettando del padre. La tensione aumenta a ogni scena. La figlia è interpretata dalla talentuosa Mia Threapleton, figlia nella vita reale di Kate Winslet. Sul red carpet di Cannes, Mia ha reso omaggio all'eredità della madre indossando un abito color smeraldo di Oscar de la Renta, che ricorda l'iconico look Givenchy indossato da Winslet agli Oscar del 1998, ai tempi di Titanic.

Un tono più cupo permea Alpha, il nuovo film di Julia Ducournau (Palma d'Oro per Titane). Ambientato negli anni '1980, racconta la relazione tra un medico e una tredicenne problematica di nome Alpha, nel mezzo di una misteriosa epidemia che trasforma le persone in statue di marmo mentre sono ancora vive. Gli echi della crisi dell'AIDS e del COVID sono inequivocabili. Tahar Rahim interpreta il fratello malato del medico, contagiato dall'uso di droghe. Quando Alpha si fa un tatuaggio impulsivamente, anche lei viene emarginata. Il messaggio finale del film è chiaro: solo le persone più vicine possono davvero offrire speranza, e solo all'interno della famiglia può iniziare la guarigione.

Sostegno e connessione sono anche i temi centrali di Giovani madri di Jean-Pierre e Luc Dardenne, che ha vinto il premio per la migliore sceneggiatura. Il film intreccia le storie di alcune adolescenti alle soglie della maternità, nessuna delle quali ancora pienamente pronta – emotivamente, socialmente o in altro modo. Una spera di affidare il figlio a una famiglia benestante; un'altra cerca di capire perché la madre l'abbia abbandonata; una terza decide di crescere il figlio da sola. Nonostante le difficoltà, i fratelli Dardenne offrono un messaggio di speranza: il sostegno di una nonna, di un'assistente sociale o di un'amica può fare la differenza. La compassione è il seme di ogni futura famiglia.

Anche la regista britannica Lynne Ramsay esplora la maternità in Die, My Love, un crudo ritratto della depressione post-partum. Jennifer Lawrence interpreta una giovane donna in preda a un'angoscia profonda dopo aver sposato un uomo (Robert Pattinson) che rimane infantilmente distaccato. La sua ribellione – frenetica e distruttiva – è un grido di libertà entro i limiti della vita domestica. Ramsay la presenta come un atto necessario di autoaffermazione.

Ma la famiglia non è sempre fatta di conflitti e traumi. "Love That Remains", un tenero film islandese di Hlynur Pálmason, trova calore anche dopo il divorzio. Ambientato su un'isola deserta e spazzata dal vento, il film mostra come i ricordi condivisi e il passare delle stagioni possano preservare l'amore anche molto tempo dopo che una famiglia si è formalmente disgregata.

Un'interpretazione più radicale appare in The Chronology of Water, l'esordio alla regia di Kristen Stewart in Un Certain Regard. Basato sulle memorie di Lidia Yuknavitch, il film è un'intensa esplorazione del trauma sessuale inflitto da un padre autoritario. Imogen Poots offre un'interpretazione inquietante nei panni di una nuotatrice fallita che precipita tra dipendenza, relazioni tossiche, aborti spontanei e, infine, la scoperta di sé attraverso la letteratura. Stewart crea una narrazione potente e redentrice, sostenendo che la guarigione è possibile con gli strumenti e il supporto giusti.

La famiglia non è sempre definita dal sangue o dall'amore: a volte si sceglie, si costruisce attorno a valori condivisi e al cameratismo. In definitiva, si tratta di amicizia. Questo è il messaggio di Eleanor the Great, il tenero debutto alla regia di Scarlett Johansson in Un Certain Regard. June Squibb brilla nei panni della 94enne Eleanor Morgenstein, che, dopo la morte del suo compagno di lunga data, inizia ad adottare la storia di vita dell'amica come propria. È una toccante storia d'amore e sopravvivenza, radicata in una profonda amicizia: una delle poche storie a Cannes quest'anno a presentare una sopravvissuta all'Olocausto.

E infine, Richard Linklater ha portato a Cannes uno degli omaggi più eleganti e affettuosi al cinema: Nouvelle Vague, un film sulla realizzazione di À bout de souffle, il leggendario capolavoro di Godard con Belmondo e Seberg. Dal titolo appropriato, il film è dedicato alle figure iconiche della Nouvelle Vague francese: Truffaut, Chabrol, Rohmer, Rivette e, soprattutto, Godard e il suo direttore della fotografia Raoul Coutard. Al centro di questo film leggero e giocoso c'è il cameratismo di questi giovani artisti. Il film assorbe con entusiasmo ogni frase pronunciata da Godard sul set, ogni battuta di Belmondo o osservazione ironica di Seberg, ogni consiglio di Roberto Rossellini, Robert Bresson o Jean-Pierre Melville, ogni decisione creativa elaborata dalla troupe. Una comprensione reciproca così profonda è possibile solo in una famiglia felice. Su quelle leggendarie riprese, hanno forgiato non solo un nuovo linguaggio cinematografico, ma una famiglia unita da passione, obiettivi e una visione del futuro.

Per gentile concessione: Festival di Cannes 

Testo: Denis Kataev