POSTED BY HDFASHION / April 4TH 2024

Paolo Roversi au musée Galliera de la mode de la ville de Paris

Ce n'est pas seulement une grande – la plus grande, en fait – exposition du travail de Paolo Roversi, c'est aussi sa première à Paris, ville où sa carrière de photographe de mode a débuté en 1973. L'exposition a été inaugurée au musée de la mode parisien Palais Galliera. Les organisateurs ont rassemblé 140 œuvres photographiques, dont certaines n’ont jamais été vues par le public auparavant, et ont ajouté des éléments tels que des magazines, des lookbooks, des invitations avec les images de Roversi et les Palaroids du photographe. Le tout a été rassemblé par Sylvie Lécallier, la conservatrice en chef de la collection photographique du musée. Présentés ensemble pour la première fois à l'occasion des 50 ans de photographie de Roversi, ils montrent aux visiteurs ce qui entre dans son art et comment il fonctionne.

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La grande majorité des œuvres de Roversi en général, et dans cette exposition en particulier, sont des portraits (bien qu'il y ait aussi des photos de son appareil photo préféré et d'un chien peut-être aussi son préféré, mais eux aussi sont portraits en quelque sorte). Et grâce à la spécificité de son travail, la grande majorité des sujets des portraits sont des modèles ; il a travaillé avec tous les mannequins célèbres des 30 dernières années, mais il réalise rarement des portraits de célébrités. Mais même lorsqu'il photographie des modèles célèbres, il ne reproduit jamais les clichés familiers du public : il ne présente pas ses sujets comme des déesses sexy, des filles séduisantes, des androïdes androgynes ou d'autres stéréotypes populaires. Dans une de ses interviews, Roversi dit ce qui suit à propos de son art, bien qu'il l'appelle « technique » et non « art » : « Nous avons tous une sorte de masque d'expression. Vous dites au revoir, vous souriez, vous avez peur. J'essaie d'enlever tous ces masques et de les soustraire petit à petit jusqu'à ce qu'il reste quelque chose de pur. Une sorte d'abandon, une sorte d'absence. Cela ressemble à une absence, mais en fait quand il y a ce vide je pense que la beauté intérieure ressort. C'est ma technique."

Kate Moss ne ressemble pas à la reine de l'héroïne chic, Natalia Vodianova ne ressemble pas à un faon effrayé et Stella Tennant ne ressemble pas à l'Orlando de Virginia Woolf. Ce qui leur arrive à tous, c'est exactement ce que dit Roversi : il enlève tous ces masques jusqu'à ce qu'il ne reste plus que quelque chose de pur. Paradoxalement, ce désengagement créé par sa caméra n'amplifie pas la distance entre le spectateur et les modèles, mais la réduit, les rapprochant de nous dans leur humanité, avec toutes leurs particularités personnelles. Cela est particulièrement visible dans la série Nudi, qui débute en 1983 avec un portrait nu d'Inès de La Fressange pour Vogue Homme, réalisé au sommet de sa carrière, puis se poursuit comme son projet privé, où il photographie des célébrités et des moins célèbres. des modèles. Toujours de la même manière – des portraits nus en grandeur nature, face à l'appareil photo, en pleine lumière directe et sans ombres, photographiés en noir et blanc, puis repris sur un Polaroid 20x30 – et cet effet apparemment distanciant et rassembleur a créé une profondeur et une expressivité particulières. Ils sont rassemblés lors de l'exposition dans une salle séparée – et c'est peut-être la partie la plus touchante, car ces corps nus sont dénués de toute sexualisation.

En général, Roversi aime travailler avec l'appareil photo Polaroid 8x10, pour lequel le film n'est plus fait, et le photographe, comme il l'a dit, a acheté tout ce qu'il pouvait trouver. Cet appareil photo est désormais associé à son style distinctif et très reconnaissable qui utilise la couleur et la lumière pour créer l'effet d'une peinture. Et même lorsqu’il utilise d’autres caméras, l’effet est là. Beaucoup ont essayé et tentent de copier cet effet, mais le résultat rappelle généralement le travail de l’IA. Le réalisme magique original de Roversi peut être vu en détail lors de l'exposition – dans ses shootings pour Vogue France, Vogue Italia, Egoïste et Luncheon, dans ses campagnes pour Yohji Yamamoto, Comme des Garcons et Romeo Gigli. Le travail de la scénographe de l'exposition Ania Martchenko, qui a créé plusieurs de ses trompe-l'œil emblématiques sous la forme d'une fenêtre ou d'une porte légèrement ouverte émettant de la lumière, met l'accent sur l'utilisation de la lumière par le maître à la fois métaphoriquement et littéralement.

Mais l'interaction même de Paolo Roversi avec la mode, avec les collections de mode, est tout à fait unique : il photographie d'une manière qui en fait un sujet secondaire de l'image, mais les photographies ne cessent pas d'être de la mode. Comme il le dit lui-même : « Les vêtements jouent un rôle important dans l'image de la mode. C’est une grande partie du sujet. Même si, pour moi, chaque photo de mode est comme un portrait – je vois et traite chaque image comme un portrait, d'une femme ou d'un homme ou d'un garçon – mais les vêtements sont toujours là et ils peuvent rendre l'interprétation de l'image très importante. plus difficile. »