Questions de famille : intimité et conflits au cœur du Festival de Cannes 2025

Cette année, le Festival de Cannes a tenté de construire des ponts dans notre monde chaotique, fait de guerres et de catastrophes, mais à une échelle microscopique. S'inspirant des grandes traditions littéraires, de nombreux films se sont tournés vers l'intérieur, explorant les liens familiaux et les relations personnelles. La famille, dans toute sa complexité, est apparue comme l'un des thèmes centraux. Plusieurs titres ont exploré les dynamiques complexes et souvent tendues au sein de la plus petite cellule de la société – la famille –, qui s'est révélée tout aussi riche en contradictions, en luttes et en souffrances que le monde dans son ensemble. Jouer à la maison devient, dans ce contexte, une répétition pour organiser l'univers plus vaste.

En conséquence, les genres variaient considérablement : du cinéma conceptuel à la comédie, de la farce au drame social, de la fantasy épique à l’essai romantique.

 L'épigraphe de ce volet intime pourrait bien être Sentimental Value de Joachim Trier, qui a remporté le Grand Prix, la deuxième récompense la plus prestigieuse du festival. Le mot « sentimental » résume parfaitement l'esprit de Cannes cette année. Trier, parent éloigné et homonyme de Lars von Trier, a présenté une tragicomédie cinéphile pleine d'esprit, riche en motifs tchékhoviens, ibséniens et indéniablement bergmaniens. Au cœur : de nouvelles scènes d'un mariage, agrémentées des performances exceptionnelles de Stellan Skarsgård, Renate Reinsve et Elle Fanning. L'histoire se déroule dans une demeure familiale d'Oslo, propriété d'un même clan depuis des décennies.

Une saga multigénérationnelle similaire apparaît dans le film en compétition The Sound of Falling du réalisateur allemand Mascha Schilinski, qui raconte des histoires familiales traumatisantes à travers quatre périodes clés du XXe siècle — avec ses guerres et ses bouleversements — le tout dans une maison près de l'Elbe.

Dans le film de Trier, le protagoniste, un cinéaste autrefois célèbre, tente de renouer avec ses deux filles, toutes deux bridées émotionnellement et sujettes à des crises de panique. Sa stratégie : confier à sa fille aînée le rôle de leur défunte mère dans son nouveau film, espérant que ce rôle les rapprochera. Mais la fille, qui peine à jouer et à se faire connaître, trouve la tâche insurmontable, ce qui ne mène pas à une réconciliation, mais à un éloignement encore plus profond. Dans ce contexte déjà instable, une actrice américaine, interprétée par Elle Fanning, intervient, censée souligner la franchise hollywoodienne et la sensibilité poétique du cinéma européen. Sa présence ne fait qu'accentuer la rupture familiale.

Trier dresse le portrait d'un artiste à succès qui a échoué en tant que père – une histoire que beaucoup connaissent, mais que peu parviennent à mettre en scène avec autant d'habileté. Bien que non autobiographique, le film reflète les réflexions de Trier sur la paternité : depuis son dernier film, il est devenu père de deux enfants. Dans une interview accordée à Vanity Fair, il explique :

« C'est presque l'histoire d'un amour inassouvi entre un père et sa fille – un lien qui ne se concrétise jamais vraiment. Pourtant, ils se ressemblent tant. Et ce n'est que dans le cadre de l'art qu'ils peuvent se retrouver. »

Dans cette histoire, la tension est omniprésente – même les murs fraîchement construits d'un studio ne peuvent la contenir. Mais des dialogues percutants et une légèreté insoutenable rendent ce film norvégien plus optimiste que nombre de ses pairs et lui confèrent pleinement ses éloges.

Une tentative familiale similaire se retrouve dans Le Projet Phoenicien, le dernier film de Wes Anderson, maître de l'ornementation cinématographique. Avec un casting prestigieux (Benicio del Toro, Tom Hanks, Benedict Cumberbatch, Scarlett Johansson et Bill Murray), le film suit un puissant magnat, Zsa-Zsa Korda, pris dans une vague de tentatives d'assassinat et qui décide de léguer son empire à sa fille. Malgré la fantaisie et les décors élaborés typiques d'Anderson, c'est le cœur sentimental – les tentatives maladroites de rapprochement père-fille – qui donne toute sa résonance au film.

La fille, séparée de lui depuis des années et désormais religieuse, s'apprête à quitter définitivement le monde séculier. Au lieu de prendre le contrôle de l'empire, elle est obsédée par la découverte de la vérité sur la mort de sa mère – soupçonnant son père. La tension monte à chaque scène. La fille est interprétée par la talentueuse Mia Threapleton, fille de Kate Winslet dans la vraie vie. Sur le tapis rouge de Cannes, Mia a rendu hommage à l'héritage de sa mère en portant une robe Oscar de la Renta émeraude rappelant la tenue emblématique de Winslet aux Oscars de 1998, signée Givenchy, à l'époque du Titanic.

Un ton plus sombre imprègne Alpha, le nouveau film de Julia Ducournau (Palme d'or pour Titane). Se déroulant dans les années 1980, il dépeint la relation entre un médecin et une adolescente de 13 ans en difficulté, Alpha, au cœur d'une mystérieuse épidémie qui transforme les gens en statues de marbre de leur vivant. Les échos de la crise du sida et de la COVID sont indéniables. Tahar Rahim incarne le frère malade du médecin, contaminé par la drogue. Lorsqu'Alpha se fait tatouer impulsivement, elle est elle aussi ostracisée. Le message ultime du film est clair : seuls nos proches peuvent véritablement nous donner de l'espoir, et c'est seulement au sein de la famille que la guérison peut commencer.

Soutien et complicité sont également au cœur de Jeunes Mères de Jean-Pierre et Luc Dardenne, lauréat du prix du meilleur scénario. Le film entremêle les histoires d'adolescentes à l'aube de la maternité, aucune n'étant pleinement prête – ni émotionnellement, ni socialement, ni autrement. L'une espère placer son enfant dans une famille aisée ; une autre tente de comprendre pourquoi sa propre mère l'a abandonnée ; une troisième décide d'élever elle-même son enfant. Malgré leurs difficultés, les frères Dardenne offrent un message d'espoir : le soutien d'une grand-mère, d'une assistante sociale ou d'une amie peut faire toute la différence. La compassion est le germe de toute future famille.

La réalisatrice britannique Lynne Ramsay explore également la maternité dans Meurs, mon amour, un portrait cru de la dépression post-partum. Jennifer Lawrence incarne une jeune femme en proie à une spirale infernale après son mariage avec un homme (Robert Pattinson) qui reste enfantinement détaché. Sa rébellion – maniaque et destructrice – est un appel à la liberté face aux contraintes de la vie domestique. Ramsay la présente comme un acte nécessaire d'affirmation de soi.

Mais la famille n'est pas toujours synonyme de conflits et de traumatismes. « Love That Remains », un film islandais tendre de Hlynur Pálmason, trouve de la chaleur même après un divorce. Situé sur une île déserte et balayée par les vents, le film montre comment les souvenirs partagés et les saisons qui passent peuvent préserver l'amour longtemps après la rupture d'une famille.

Une approche plus radicale apparaît dans La Chronologie de l'eau, premier film de Kristen Stewart à Un Certain Regard. Inspiré des mémoires de Lidia Yuknavitch, le film explore avec intensité le traumatisme sexuel infligé par un père autoritaire. Imogen Poots livre une performance saisissante dans le rôle d'une nageuse ratée, plongée dans une spirale infernale entre dépendance, relations toxiques, fausse couche et, finalement, découverte de soi à travers la littérature. Stewart construit un récit puissant et rédempteur, affirmant que la guérison est possible avec les bons outils et le soutien nécessaire.

La famille ne se définit pas toujours par le sang ou l'amour ; elle est parfois choisie, construite autour de valeurs communes et de camaraderie. En fin de compte, c'est une question d'amitié. C'est le message d'Eleanor la Grande, le premier film tendre de Scarlett Johansson en tant que réalisatrice au Certain Regard. June Squibb brille dans le rôle d'Eleanor Morgenstein, 94 ans, qui, après la mort de son compagnon de longue date, commence à s'approprier l'histoire de son amie. C'est un récit poignant d'amour et de survie, ancré dans une profonde amitié – l'un des rares récits à Cannes cette année à mettre en scène une survivante de l'Holocauste.

Enfin, Richard Linklater a présenté à Cannes l'un des hommages les plus élégants et les plus touchants au cinéma lui-même : Nouvelle Vague, un film sur la création d'À bout de souffle, le chef-d'œuvre légendaire de Godard, avec Belmondo et Seberg. Intitulé à juste titre, le film est dédié aux figures emblématiques de la Nouvelle Vague française : Truffaut, Chabrol, Rohmer, Rivette, et surtout, Godard et son directeur de la photographie Raoul Coutard. Au cœur de ce film léger et ludique se trouve la camaraderie de ces jeunes artistes. Le film s'imprègne avec enthousiasme de chaque phrase prononcée par Godard sur le plateau, de chaque blague de Belmondo ou de chaque ironie de Seberg, de chaque conseil de Roberto Rossellini, Robert Bresson ou Jean-Pierre Melville, de chaque décision créative découverte par l'équipe. Une telle compréhension mutuelle n'est possible que dans une famille heureuse. Sur ce tournage légendaire, ils ont forgé non seulement un nouveau langage cinématographique, mais une famille unie par la passion, la détermination et une vision de l'avenir.

Avec l'aimable autorisation du Festival de Cannes 

Texte : Denis Kataev