Asuntos de familia: intimidad y conflicto en el corazón del Festival de Cine de Cannes 2025

El Festival de Cine de Cannes de este año intentó tender puentes en nuestro caótico mundo de guerras y catástrofes, pero a un nivel micro. Inspirándose en las grandes tradiciones literarias, muchas de las películas se centraron en el interior, en los lazos familiares y los enredos personales. La familia, en toda su complejidad, emergió como uno de los temas centrales. Varios títulos exploraron las dinámicas complejas y a menudo tensas dentro de la unidad más pequeña de la sociedad —la familia—, que resultó estar tan llena de contradicciones, batallas y sufrimiento como el mundo en general. Jugar a las casitas se convierte, en este contexto, en un ensayo para organizar el universo más amplio.

En consecuencia, los géneros variaron ampliamente: desde el cine conceptual a la comedia, la farsa al drama social, la fantasía épica al ensayo romántico.

 El epígrafe de esta íntima trama bien podría ser "Valor sentimental" de Joachim Trier, ganadora del Gran Premio, el segundo galardón más prestigioso del festival. La palabra "sentimental" capta el espíritu general de Cannes este año. Trier, pariente lejano y homónimo de Lars von Trier, presentó una ingeniosa tragicomedia cinéfila llena de motivos chejovianos, ibsenianos e inconfundiblemente bergmanianos. En el centro: nuevas escenas de un matrimonio con las actuaciones estelares de Stellan Skarsgård, Renate Reinsve y Elle Fanning. La historia se desarrolla en una mansión familiar generacional en Oslo, propiedad de un mismo clan durante décadas.

Una saga multigeneracional similar aparece en la película en competición The Sound of Falling, del director alemán Mascha Schilinski, que narra historias familiares traumáticas a lo largo de cuatro períodos clave del siglo XX (con sus guerras y trastornos), todos ellos ambientados en una casa cerca del Elba.

En la película de Trier, el protagonista —un cineasta otrora famoso— intenta reconectar con sus dos hijas distanciadas, ambas con cicatrices emocionales y propensas a ataques de pánico. Su estrategia: elegir a su hija mayor como la madre fallecida en su nueva película, con la esperanza de que el papel las acerque. Pero la hija, con dificultades para la actuación y la exposición pública, encuentra la tarea abrumadora, lo que no conduce a la reconciliación, sino a un mayor distanciamiento. En este contexto ya de por sí volátil, aparece una forastera: una actriz estadounidense, interpretada por Elle Fanning, cuyo objetivo es destacar la crudeza de Hollywood y subrayar la sensibilidad poética del cine europeo. Su presencia solo profundiza la desconexión familiar.

Trier pinta el retrato de un artista exitoso que fracasó como padre: una historia que muchos podrían reconocer, pero pocos pueden dramatizar con tanta destreza. Si bien no es autobiográfica, la película refleja las propias reflexiones de Trier sobre la paternidad: desde su última película, se ha convertido en padre de dos hijos. En una entrevista con Vanity Fair, explicó:

Es casi la historia de un amor insatisfecho entre un padre y una hija, un vínculo que nunca se concreta. Sin embargo, son tan parecidos. Y solo en el marco del arte pueden reencontrarse.

El hogar de esta historia está repleto de tensión sin resolver; ni siquiera las paredes recién construidas del estudio pueden contenerla. Pero sus diálogos agudos y una especie de insoportable ligereza hacen de esta película noruega una película más optimista que muchas de sus homólogas y plenamente merecedora de sus elogios.

Un intento familiar similar se desarrolla en El Plan Fenicio, la última película de Wes Anderson, maestro de la ornamentación cinematográfica. Con un reparto estelar (Benicio del Toro, Tom Hanks, Benedict Cumberbatch, Scarlett Johansson y Bill Murray), la película sigue a una poderosa magnate, Zsa-Zsa Korda, atrapada en una ola de intentos de asesinato, quien decide entregar su imperio a su hija. A pesar de la típica extravagancia y las elaboradas escenas de Anderson, es el núcleo sentimental —los torpes intentos de conectar padre-hija— lo que le da a la película su resonancia.

La hija, distanciada durante años y ahora monja, se prepara para abandonar por completo el mundo secular. En lugar de tomar las riendas del imperio, está obsesionada con descubrir la verdad tras la muerte de su madre, sospechando de su padre. La tensión aumenta con cada escena. La hija es interpretada por la talentosa Mia Threapleton, hija real de Kate Winslet. En la alfombra roja de Cannes, Mia rindió homenaje al legado de su madre luciendo un vestido esmeralda de Oscar de la Renta, que evocaba el icónico look de Winslet para los Oscar en 1998, diseñado por Givenchy, en la época del Titanic.

Un tono más sombrío impregna Alpha, la nueva película de Julia Ducournau (ganadora de la Palma de Oro por Titane). Ambientada en la década de 1980, retrata la relación entre un médico y una niña de 13 años con problemas llamada Alpha, en medio de una misteriosa epidemia que convierte a las personas en estatuas de mármol en vida. Los ecos de la crisis del sida y la COVID-XNUMX son inconfundibles. Tahar Rahim interpreta al hermano enfermo del médico, infectado por el consumo de drogas. Cuando Alpha, impulsivamente, se hace un tatuaje, también es condenada al ostracismo. El mensaje final de la película es claro: solo quienes nos rodean pueden ofrecer verdadera esperanza, y solo en la familia puede comenzar la sanación.

El apoyo y la conexión son también los temas centrales de Madres Jóvenes, de Jean-Pierre y Luc Dardenne, ganadora del premio al Mejor Guion. La película entrelaza historias de adolescentes en el umbral de la maternidad, ninguna de ellas completamente preparada, ni emocional ni socialmente, ni en ningún otro sentido. Una anhela dejar a su hijo con una familia adinerada; otra intenta comprender por qué su madre la abandonó; una tercera decide criarlo ella misma. A pesar de sus dificultades, los hermanos Dardenne ofrecen un mensaje esperanzador: el apoyo de una abuela, una trabajadora social o una amiga puede marcar la diferencia. La compasión es la semilla de toda futura familia.

La directora británica Lynne Ramsay también explora la maternidad en Die, My Love, un crudo retrato de la depresión posparto. Jennifer Lawrence interpreta a una joven que se desmorona tras casarse con un hombre (Robert Pattinson) que se mantiene infantilmente distante. Su rebelión —maníaca y destructiva— es un grito de libertad dentro de las limitaciones de la vida doméstica. Ramsay la presenta como un acto necesario de autoafirmación.

Pero la familia no siempre es conflicto y trauma. Love That Remains, una tierna película islandesa de Hlynur Pálmason, encuentra calidez incluso después del divorcio. Ambientada en una isla desierta y azotada por el viento, la película muestra cómo los recuerdos compartidos y el paso de las estaciones pueden preservar el amor mucho después de la separación familiar.

Una perspectiva más radical aparece en La Cronología del Agua, el debut como directora de Kristen Stewart en Un Certain Regard. Basada en las memorias de Lidia Yuknavitch, la película explora intensamente el trauma sexual infligido por un padre autoritario. Imogen Poots ofrece una interpretación cautivadora como una nadadora fracasada que se ve arrastrada por la adicción, las relaciones tóxicas, el aborto espontáneo y, en última instancia, el autodescubrimiento a través de la literatura. Stewart crea una narrativa poderosa y redentora, argumentando que la sanación es posible con las herramientas y el apoyo adecuados.

La familia no siempre se define por la sangre o el romance; a veces se elige, se construye en torno a valores compartidos y compañerismo. En definitiva, se trata de amistad. Ese es el mensaje de Eleanor the Great, el tierno debut como directora de Scarlett Johansson en Un Certain Regard. June Squibb brilla como Eleanor Morgenstein, de 94 años, quien, tras la muerte de su compañero de toda la vida, comienza a adoptar la historia de vida de su amiga como propia. Es una conmovedora historia de amor y supervivencia, arraigada en una profunda amistad, una de las pocas historias en Cannes este año que presenta a una superviviente del Holocausto.

Y finalmente, Richard Linklater trajo a Cannes uno de los homenajes más elegantes y afectuosos al cine en sí: Nouvelle Vague, una película sobre la realización de À bout de souffle, la legendaria obra maestra de Godard protagonizada por Belmondo y Seberg. Apropiadamente titulada, la película está dedicada a las figuras icónicas de la Nouvelle Vague francesa: Truffaut, Chabrol, Rohmer, Rivette y, sobre todo, Godard y su director de fotografía Raoul Coutard. En el corazón de esta película ligera y lúdica está la camaradería de estos jóvenes artistas. La película absorbe con avidez cada frase pronunciada por Godard en el set, cada chiste de Belmondo o comentario irónico de Seberg, cada consejo de Roberto Rossellini, Robert Bresson o Jean-Pierre Melville, cada decisión creativa descubierta por el equipo. Una comprensión mutua tan profunda solo es posible en una familia feliz. En ese legendario rodaje, forjaron no solo un nuevo lenguaje cinematográfico, sino una familia unida por la pasión, el propósito y una visión del futuro.

Cortesía: Festival de Cine de Cannes 

Texto: Denis Kataev