Paris neu geboren: Einblicke in die transformativste Saison seit Jahren

Die Pariser Modewoche Frühjahr/Sommer 2026 ist zu Ende gegangen – eine Saison voller großer Debüts und neuer Visionen. Jonathan Andersons mit Spannung erwartete erste Kollektion für Dior und Matthieu Blazys poetischer Auftritt bei Chanel markierten einen Moment der Wiedergeburt für die großen Modehäuser. Starke Statements kamen von Valentino, Saint Laurent, Loewe, Dries Van Noten, Balenciaga und Miu Miu, die in einer Welt voller kreativer und finanzieller Unsicherheit nach neuen Sinnen suchten.

Auf der Suche nach Sinn

Für Matthieu Blazy bei Chanel beginnt alles mit Liebe: transformierender, lebensspendender Liebe, wie sie einst Coco Chanel selbst antrieb. Unter den sanft leuchtenden Planeten über dem Grand Palais interpretierte Blazy die Chanel-Silhouette neu: kurze Tweedjacken, weite Röcke, strahlend weiße Hemden. Das Ergebnis war nicht nur eine Kollektion, sondern ein ganzer Kosmos, der auf Harmonie und Zuneigung aufbaute.

Bei Valentino fand Alessandro Michele Hoffnung in der Dunkelheit. Seine Kollektion war inspiriert von einem Brief des Filmemachers Pier Paolo Pasolini aus dem Jahr 1941, den er mitten im Krieg schrieb und in dem er seinen Glauben an Glühwürmchen und die Liebe beschrieb. Als beim Finale der Show die Lichter gedimmt wurden, richteten die Models ihren Blick gen Himmel und suchten nach einem Lichtschimmer.

Satoshi Kondo von Issey Miyake fragte, was passieren würde, wenn unsere Kleidung lebendig würde. Das Ergebnis war sowohl philosophisch als auch intim: Kleidungsstücke, die sich wie Erweiterungen des Körpers bewegten, fließend und gefühlvoll, und Farbe und Poesie in den Alltag brachten.

Bei Alaïa untersuchte Pieter Mulier die Spannung zwischen Wunsch und Realität, Vergangenheit und Zukunft, Männlichkeit und Weiblichkeit. Seine Stücke – sinnlich und doch abgeschirmt – „weinten vor Schmerz“, wie er es ausdrückte, und enthüllten und verbargen die weibliche Form in einem Atemzug.

Für Miu Miu orientierte sich Miuccia Prada an der Arbeit selbst – und an den Frauen, die die Welt am Laufen halten. Schürzen, geschmeidige Lederjacken und funktionale Hosen symbolisierten Arbeit und Hingabe zugleich – eine Hommage an diejenigen, die alles für das geben, was sie lieben.

Bei Dries Van Noten nahm der Optimismus in Farbe Gestalt an. Julian Klausner folgte dem Erbe des verstorbenen Designers und feierte Helligkeit und Muster und ließ die optischen Drucke der 60er Jahre wieder aufleben. Ähnlich träumte Michael Ryder bei Celine von einem endlosen Sommer und präsentierte Seidenschals und glockenförmige Miniröcke mit Blumenmuster in leuchtenden Primärfarben. Für Loewe strebten die Debütdesigner Jack McCollough und Lazaro Hernandez nach Einfachheit – einem Neuanfang für das 180 Jahre alte Haus – und reduzierten Formen und Farbtöne auf ihre Essenz.

An anderer Stelle hielt Guram Gvasalia von Vetements der Modebranche einen schwarzhumorigen Spiegel vor, indem er bekannte Tropen (und vielleicht auch die Mätzchen von Kanye West) parodierte, bevor er mit einer Braut in Schwarz schloss, die um eine aus den Fugen geratene Welt weint.

Der Pariser Designer Alain Paul, einst klassischer Balletttänzer, inszenierte seine Show als Aufnahmeprüfung: Die Gäste saßen wie Prüfer an langen Tischen und sahen den Models und Tänzern bei ihren Auftritten zu. Die Show wurde zu einer Metapher für die Prüfungen des Lebens und endete in einem Ausbruch der Freiheit, als die Tänzer ihre Formation auflösten und durch die Menge tanzten.

Und am Eröffnungstag sprach Yohji Yamamoto offen mit Business of Fashion über die fehlgeleitete Profitbesessenheit der Luxusbranche. Seine Kollektion, die er seinem verstorbenen Freund Giorgio Armani widmete, war ein stiller, ergreifender Akt des Gedenkens.

Das weiße Hemd neu geschrieben

Zu den Höhepunkten der Saison gehörte Matthieu Blazys Chanel-Debüt. Er begann buchstäblich mit einem leeren Blatt und stellte das weiße Hemd in den Mittelpunkt seiner Kollektion, die in Zusammenarbeit mit dem legendären Modehaus Charvet entstand. Coco selbst liebte es, sie aus Herrengarderoben zu leihen – auch Karl Lagerfeld kaufte sie reihenweise. Blazy kombinierte sie mit langen, dramatischen Röcken in Schwarz oder Purpurrot.

Bei Saint Laurent kombinierte Anthony Vaccarello weiße Blusen mit übergroßen Schleifen und eleganten Bleistiftröcken aus Leder. Sarah Burton von Givenchy interpretierte das Bürohemd als skulpturales Kleid neu; ihre weitere Idee war, die Kleider aus unglaublich weichem Kalbsleder zu fertigen.

Nicolas Ghesquière von Louis Vuitton griff das Hollywood der 1940er Jahre auf: knackige Stehkragen und filmreife Schneiderkunst. Alessandro Michele von Valentino bot durchsichtige Musselin-Versionen mit Blumen am Hals an, während Zimmermann mit Baumwollblusen mit Puffärmeln aus robustem Hemdenstoff die Romantik neu interpretierte.

Zurück in die Zukunft

Jonathan Andersons Debüt bei Dior war eine ehrfürchtige und witzige Neuinterpretation der Geschichte. In Anlehnung an Christian Dior und John Galliano spielte er mit Piratenhüten, Bändern, Reifröcken und zarten Spitzenkrinoline – eine weiche Struktur.

Victor Weinsanto ließ Korsetts und Krinoline in Bewegung wieder aufleben, während Seán McGirr von Alexander McQueen Militärjacken in Anlehnung an lebhafte Prinzen vorschlug. Stefano Gallici von Ann Demeulemeester folgte diesem Beispiel mit scharf definierter Schneiderkunst, die die Vergangenheit nachahmte und gleichzeitig in die Zukunft blickte.

Der japanische Visionär Anrealage hauchte den Silhouetten der Vergangenheit buchstäblich Leben ein und schuf herzschlaggetriebene Krinolinen für die Zukunft. Die in Kopenhagen lebende Cecilie Bahnsen feierte das zehnjährige Jubiläum ihres Labels mit einer Zusammenarbeit mit The North Face und bewies damit, dass Volumen aus technischen Stoffen absolut modern wirken kann.

Farbe steigt

Der nächste Frühling wird in Farben getaucht sein. Bei Miu Miu saßen die Gäste auf bunten Tischen und baumelten verspielt mit den Beinen, während Miuccia Prada eine fröhliche Kollektion geblümter Schürzen und warmer Strickmode präsentierte.

Chemena Kamali von Chloé präsentierte asymmetrische Kleider und bauchfreie Oberteile in voller Blüte, während Glenn Martens bei seinem Debüt bei Maison Margiela im wahrsten Sinne des Wortes mit Blumensträußen arbeitete, um bewegte Blumendrucke nachzubilden.

Farbe ist natürlich schon lange Pierpaolo Picciolis Muttersprache. Für sein Balenciaga-Debüt malte er mit Fuchsia, Purpur, Buttergelb und Puderrosa. Haider Ackermann erweiterte für seine zweite Kollektion für Tom Ford seine Schwarz-Weiß-Welt um Grün, Himmelblau, Orange und Königsblau.

Die Rückkehr des Mini

Minilängen waren der Renner. Bei Dior bot Jonathan Anderson Jeans und Anzug-Minis an; Celine knüpfte Röcke mit rosenartigen Knoten; Isabel Marant tendierte zu erdigen Häkelarbeiten und Shorts.

Die neue Kreativdirektorin von Marni, Merryl Rogge, schlug dessousartige Shorts vor, die zu kurzen Tops passen, während die LVMH-Preisträgerin Ellen Hodakova Minikleider aus allem Möglichen konstruierte – Handschuhen, Gürteln, Büchern und sogar Reißverschlüssen. Und Miuccia Prada legte noch einen drauf und präsentierte eine Parade glitzernder Minikleider, die mit den charakteristischen Steinen und Kristallen bestickt waren.

Text: Lidia Ageeva