In der farbenfrohen Welt von Tomo Koizumi

Tomotaka Koizumi, der Mann hinter dem japanischen Label TOmo Koizumi, brach wie ein Komet in die Modeszene ein. Vor fünf Jahren präsentierte er als relativ unbekannter Designer im In- und Ausland seine dramatischen, voluminösen Kleider mit üppigen Rüschen im Marc Jacobs-Flagship-Store während der New York Fashion Week Herbst/Winter 2019. Die Show wurde von der Ikone Katie Grand geleitet und gestylt, der Mastermind dahinter LOVE Magazin, mit mit der Hilfe anderer Branchenlegenden - Guido Palau für Haare, Pat McGrath für das Make-up und Anita Bitton für das Casting (also Symbole Bella Hadid, Emily Ratajkowski, Gwendoline Christie und Joan Smalls, alle gingen auf seinem deaber Laufsteg). In dieser Saison Koizumis skurrile und farbenfrohe Kreationen, welche dank Onekönnte f erkennenvom ersten Blick an, dominierte die Aufmerksamkeit der New York Fashion Week und steigerte seine weltweite Anerkennung weiter, wenn er getragen wurde von Promi-Musiker wie Lady Gaga, Björk und Sam Smith.

In den Händen von Tomotaka Koizumi verwandeln sich die billigsten und farbenfrohesten Stoffe aus 100 % Polyester im Handumdrehen in hochmoderne Kleider, die Sie in eine Welt der Fantasie einladen. Diese Tüllkreationen sind nicht nur optisch atemberaubend, sondern erwecken auch den unschuldigen Glauben an die Fantasie, der tief im Herzen derer liegt, die sie sehen. Mit fast alchemistischem Geschick und Kreativität versetzt er uns in Erstaunen und lässt uns in eine traumhafte Welt eintauchen. Nach der New Yorker Show Tomotaka Koizumi erhielt zahlreiche Anfragen von Einkäufern großer globaler Einzelhändler. Er entschied sich jedoch, nicht den konventionellen Weg der Herstellung und des Verkaufs von Kleidern zu gehen. Stattdessen beschränkt sich die Möglichkeit, seine Kreationen zu tragen, auf Modestücke, die in Zusammenarbeit mit Marken, Persönlichkeiten und kulturellen Organisationen entstanden sind. Seine Kleider sieht man selten in den Verkaufsräumen, aber seine Werke sind dauerhaft in renommierten Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art, der National Gallery of Victoria in Australien und dem Kyoto Costume Institute untergebracht, wo glückliche Besucher einen Blick auf sie erhaschen können.

Koizumi, Finalist für den LVMH-Preis 2020, entwarf auch ein maßgeschneidertes Kleid, das die Singer-Songwriterin MISIA während ihrer Darbietung der japanischen Nationalhymne bei der Eröffnungszeremonie der Olympischen Spiele 2020 in Tokio trug. 2023 veranstaltete er erfolgreich seine erste Einzelausstellung in Japan. In diesem Jahr übernahm er Kostümdesign, Produktion und visuelle Leitung für eine Zusammenarbeit mit „K-BALLET TOKYO“, schrieb ein Buch und präsentierte eine Ausstellung im Pola Museum of Art in Hakone. In den fünf Jahren seit seinem sensationellen Debüt hat Koizumi die Grenzen zwischen Mode und Kunst immer weiter verwischt und einen einzigartigen, beispiellosen Weg in der Branche beschritten. 

HD-Mode eingeholt Tomotaka Koizumi in Tokio und sprach mit ihm über seine Reise in den letzten fünf Jahren, seine Leidenschaft für Tulle, sein kreativer Prozess und seine Vision für die Zukunft.

Sie haben nie eine Modeschule besucht und sich selbst das Nähen von Kleidern beigebracht. Was hat Sie ursprünglich in die Welt der Mode gezogen?
Es fing alles an als Ich war 14 Jahre alt und sah John Gallianos Haute-Couture-Designs für Dior in einer Zeitschrift. Ich erinnere mich noch lebhaft an den Schock, den ich empfand, als ich die Fotos dieser Kleider sah. Bis dahin hatte ich mich nicht besonders für Mode interessiert, aber Gallianos Kreationen besaßen eine überwältigende Schönheit, die die Grenzen von Mode und Kunst überschritt und sich tief in mein Herz bohrte. Ich auch entdeckt Designer wie Alexander McQueen, die Dinge kreierten, die nicht nur elegant oder ausgefallen waren, sondern waren völlig anders als alles, was ich je gesehen hatte. Diese Bewunderung weckte in mir den Wunsch, eine Karriere in der Modewelt anzustreben. Im selben Jahr bat ich, inspiriert von Gallianos Werk, meine Eltern um eine Nähmaschine für Weihnachten. Von da an begann ich, alte Kleidung auseinanderzunehmen und mir selbst beizubringen, wie man Kleidungsstücke herstellt, und vertiefte mich in das Handwerk.

WhWarum haben Sie Ihre eigene Marke auf den Markt gebracht??
Ich habe Kunst studiert at Ich studierte an der Chiba-Universität und sammelte zu dieser Zeit Erfahrungen als Stylistenassistentin mit dem Ziel, Redakteurin oder Stylistin zu werden. Eines Tages trug eine Freundin von mir ein Kleid, das ich angefertigt hatte, in einem Club, und es wurde ein Foto von ihr gemacht und in einer Zeitschrift veröffentlicht. Als der Besitzer eines trendigen Ladens in Tokio das sah, meldete er sich bei mir und bekundete Interesse daran, meine Arbeit zu führen. Das war das erste Mal, dass ich Kleider zum Verkauf anfertigte. Interessanterweise erfuhr ich später, dass eines dieser Kleider von Y gekauft wurdeoon Ahn, der Designer von AMBUSH®, den ich damals noch nicht kannte. Bald darauf begannen Stylisten, die den Laden besuchten, mich mit Anfragen für Kostüme zu kontaktieren, und so entstand die Marke Tomo Koizumi wurde in 2011 geboren. Es war kurz nach der globalen Finanzkrise, einer Zeit, in der jeder Karriereweg riskant erschien. Ich dachte mir, wenn ich schon Risiken eingehen würde, könnte ich genauso gut das tun, was ich wirklich wollte. Da beschloss ich, werden ein Kostümbildner.

Tüll is Ihr charakteristischstes Material. Wie haben Sie es entdeckt und was macht es für Sie so besonders?
Als Studentin und in den frühen Phasen meiner Karriere als Kostümbildnerin ließ ich mich inspirieren von die 1950er-60er JahreDesigns von Christopher Balle Valle.nciaga und Christian Dior. Meine Kreationen damals waren bunt, figurbetonte Kleider, ganz anders als das, was ich jetzt mache. Ich habe zuerst begann mit der Arbeit mit Tüll um 2015. Ich fand Restposten Tüll zu einem sehr niedrigen Preis im Tokioter Textilviertel Nippori. Da es nicht viel kostete, dachte ich, es wäre perfekt zum Experimentieren und üben ohne großes finanzielles Risiko. Was mich jedoch am meisten anzog, war die große Auswahl an Farben. Allerdings waren meine frühen Arbeiten mit Tüll in gedämpfteren Tönen – Beige, Weiß und Rosa – gehalten und hatten im Vergleich zu meinen aktuellen Designs ein viel kleineres Volumen. Als Lady Gaga 2016 Japan besuchte, trug sie eines meiner Kleider aus dieser Zeit. Etwa zu dieser Zeit besuchte mich eine Freundin zu Hause und sah meine Prototypen. Sie ermutigte mich mit den Worten:: „Das ist wunderbar, also solltest du größere machen" . Ich befolgte diesen Rat und begann mit Neonfarben zu experimentieren. kombiniert mit einem nachhaltigen Materialprofil. Farbverläufe, das Spielen mit Farbkombinationen. Dieser Wechsel führte zu mehr Aufträgen als Kostümbildnerin in ganz Asien und motivierte mich, persönliche Projekte zu entwickeln und Stücke anzufertigen, die ich als Muster ausleihen konnte.

COuld erzählen Sie uns mehr über Ihre Zusammenarbeit mit Lady Gaga?
Als Lady Gaga plante ihren Besuch in Japan, sie suchte nach Designern mit einzigartigen Kreationen und durch einen Freund aus der Musikbranche wurde ihr eines meiner Kleider geschickt. Sie bat um eine Liste der Outfits, die sie ausleihen konnte, also schickte ich ihr eine Liste, und sie hat sich dafür entschieden bestimmtes Kleid. Ich habe herausgefunden, dass sie es trug, als sie es auf Instagram postete.

Es ist faszinierend, wie Sie preiswerten Stoff aus 100 % Polyester in luxuriöse und auffällige Kleider verwandeln.
I kürzlich realisIch habe gehört, dass dies ein ausgesprochen japanischer Ansatz zur Kreation sein könnte. Wenn Sie sich die Arbeiten legendärer japanischer Designer ansehen, die weltweit bekannt sind, werden Sie feststellen, dass sie oft leicht erhältliche, gewöhnliche Stoffe verwenden und durch Kombinationen und Verarbeitungsmethoden Wendungen hinzufügen, um ausgewogene, hochwertige Ergebnisse zu erzielen. In Japan, anders als anderswogibt es keine ausgeprägte Tradition luxuriöser Stoffe außer, abgesondert, ausgenommen Kimono-Textilien. Dies könnte der Grund dafür sein, dass es eine Tradition der Innovation mit zugänglichen, alltäglichen Materialien gibt. Der Import luxuriöser Stoffe zur Herstellung hochwertiger Kleider ist die konventionelle Vorgehensweise. IStattdessen scheint es ein gemeinsames Merkmal japanischer Designer zu sein, durch Einfallsreichtum etwas Frisches und Auffälliges zu schaffen, ohne die Grenzen der Materialbeschaffung zu überschreiten.. 

Erzählen Sie uns von Ihrem kreativen Prozess: whier fängst du an?
Ich denke, es beginnt mit „Skala" . Auch die Farbe ist ein entscheidender Faktor. Bei meinem Stil geht es nicht darum, eine bestimmte Inspirationsquelle zu suchen, um etwas zu erschaffen. Stattdessen bin ich ständig auf der Suche – ich stöbere in Secondhand-Läden in Büchern, lese Romane, durchsuche die Archivbücher von Designern oder besuche auf Reisen Märkte und Museen. Mit der Zeit verbinden sich diese verschiedenen Punkte und ein Stück nimmt Gestalt an.

Manchmal kommt die Inspiration von Erfahrungen, die ich als Teenager gemacht habe. In letzter Zeit haben mich traditionelle Puppen angezogen, die bei japanischen Festen und Ritualen verwendet werden, und ich war alles recherchieren über sie. Was is Am wichtigsten ist, dass das endgültige Konzept mit meinen persönlichen Erfahrungen in Verbindung steht oder aus einem Interesse entsteht, das auf natürliche Weise von innen heraus entsteht.

Du bist seit zwei Jahren immer aktiver im Kunstbereich. Könntest du uns mehr über deine Projekte und Ihre Sicht auf die Kunst?
In den letzten Jahren habe ich darüber nachgedacht, wie ich die Erfahrungen, die ich gesammelt habe, erweitern kann. Ich bin nicht daran interessiert, meine zu einem Großunternehmen, also habe ich untersucht, wie eine Entwicklung außerhalb dieses Rahmens aussehen könnte. Eine Antwort, glaube ich, besteht darin, die Grenzen zwischen Kunst und Mode zu überschreiten und neue Herausforderungen anzunehmen. Mein erster Versuch war die Einzelausstellung, die ich letztes Jahr in Japan veranstaltete. Rückblickend merke ichsIch war immer noch eingeschränkt durch die Vorstellung, „was Kunst sein sollte" . Obwohl ich Grenzen überschreiten wollte, wurde ich letztendlich durch sie eingeschränkt. Ich sehe jedoch Anerkennungsdiese Einschränkung als sinnvolles Ergebnis der Herausforderung zu betrachten. Es ist sehr wertvoll, Feedback von anderen zu erhalten und durch diese Erfahrungen neue Ideen zu entwickeln.

Ihrer Meinung nach, Was sind die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen Kunst und Mode?
Auf diese Frage gibt es keine eindeutige Antwort. Es gibt endlose Debatten darüber — und warum ich auch darüber nachdenke. Ist etwas Kunst, nur weil es ein Gemälde ist? Ist es Modedesign, nur weil es tragbar ist? Ist es bei meiner Arbeit ein Kleid, das als Kunst präsentiert wird, oder Kunst, die als Kleid präsentiert wird? Letztlich glaube ich, dass die Grenze zwischen Design und Kunst in der „Essenz des Objekts“ liegt." . Bei meinen Kreationen kommt es darauf an, wie der Betrachter sie interpretiert. Ich überlasse die Entscheidung dem Publikum.

Sie haben Ihre Karriere als Kostümbildnerin begonnen. Wenn Sie jedoch nach Ihrem aktuellen Titel gefragt würden, wie würden Sie ihn beschreiben?
Meine Antwort ändert sich jedes Mal, wenn mir diese Frage gestellt wird. Bis letztes Jahr habe ich immer gesagt, ich sei Modedesignerin oder Künstlerin. In letzter Zeit stelle ich mich eher als bildende Künstlerin vor. Aber ehrlich gesagt bin ich nicht so wählerisch, was Etiketten angeht. Ich glaube, dass in diesen Labels viel Potenzial steckt, neue Werte zu schaffen. grau, undefinierte Bereiche, in denen die Grenzen verschwimmen. Ich denke also, dass ich weiterhin in diesen Zwischenräumen arbeiten werde.

Was ist Ihr größtes Ziel? Können Sie uns etwas über Ihre langfristige Vision für die Zukunft erzählen??

Mein ultimatives Ziel istDer Prozess, mich selbst ständig herauszufordern. Ich strebe danach, ein Schöpfer mit unerschütterlichen Prinzipien und einem festen Kern zu sein, ähnlich wie die Designer, die ich bewundere – Azzedine Alaïa und Roberto Capucci –, die mit der Hingabe von Forschern unermüdlich nach Schönheit strebten. Im Dezember begann ich, in einer Ausstellung zum Thema Farbe im Pola Museum of Art in Hakone Gemälde, Skulpturen und Installationen zu präsentieren, darunter zehn noch nie gezeigte Werke. Außerdem habe ich mein erstes Buch veröffentlicht, an dem ich selbst etwa ein Jahr lang geschrieben habe. In der Vergangenheit hat mir die Annahme neuer Herausforderungen immer neue Möglichkeiten eröffnet. Ich hoffe, dass ich auf dieser Welle weiterreiten kann. in die kommenden Jahre.

Mit freundlicher Genehmigung: Tomo Koizumi

Text: Elie Inoue